A treize ans révolus, le jeune Auguste, fils d'un plumassier en rupture de ban et d'une couturière, va pouvoir commencer sa vie laborieuse ! Placé en apprentissage successivement chez un lithographe, un certain Delaye, qui donne dans la partition musicale, puis chez un luthier italien, et enfin chez un autre lithographe, Faria, il acquerra peut-être plus tard quelques rudiments du métier ; pour l'heure, il est cantonné aux basses tâches de l'atelier, sans autre profit que quelques sous qu'il rapporte au domicile maternel... quand il y rentre !

De l'apprentissage à l'Art industriel

Mais les esprits avancés du siècle perçoivent aussi combien les inconséquences de l'apprentissage et les déficiences nombreuses de l'instruction primaire menacent l'essor de l'industrie, alors que les progrès du machinisme multiplient les défis techniques et intensifient la concurrence étrangère. Le péril est même d'ordre esthétique ! Il prend brutalement corps en 1855 à l'Exposition universelle où se manifeste de façon éclatante la supériorité créatrice de l'industrieux anglais. Ainsi, dans son rapport sur l'exposition^[1] , le comte de Laborde fustige avec amertume l'abaissement général du goût en France :

Comprenez-vous comment l'art n'a pas été radicalement tué sous deux générations de fossoyeurs qui se succèdent lugubrement depuis soixante ans, occupés exclusivement à fouiller les tombeaux des générations passées, [...] à les copier aveuglément, servilement, sans choix, et comme poussés par un fétichisme fanatique [...] ? Comprenez-vous quelle atmosphère sépulcrale plane sur ces hommes et combien est grande la nécessité d'aérer et de parfumer ces caves de l'art moderne [...]; combien il est urgent de constituer des hommes pratiques d'une génération saine, vigoureuse, et qui sachent faire une distinction radicale entre l'art créateur et les monuments du passé, comme on distingue la vie réelle de l'histoire ?

et de proclamer que l'avenir des arts, des sciences et de l'industrie est dans leur association. Les initiatives en faveur de ce qu'on appellera alors l'Art industriel font ainsi florès au mitan du siècle : des revues voient le jour, comme L'Art pour tous : encyclopédie de l'art industriel et décoratif (1861-1906)^[2] et on crée l'Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l'Industrie, qui en organise la promotion par de massives expositions abritées par le bien nommé Palais de l'industrie.

Une vérité à la fois physiologique et mathématique

C'est dans cet esprit que l'organisation de l'enseignement du dessin, dans toutes les écoles de France, fut confiée à Eugène Guillaume, sculpteur, professeur aux Beaux-Arts, doublement académicien, bientôt directeur de la villa Médicis et grand-croix de la Légion d'honneur. Nommé en effet, en 1878, directeur des Beaux-Arts au ministère de l'Instruction publique, Guillaume avait édicté les principes d'un tel enseignement bien avant cette date et, quoiqu'il professât ne pas vouloir former des artistes^[4], comme beaucoup, il reconnaissait les défauts de la méthode traditionnelle d'apprentissage : reposant sur la copie des dessins, elle conduisait à abuser des modèles estampes qui produisent des dessins fades, transparents et sans relief, trop peu modelés [...]. Il prônait donc une approche par le volume, qui nécessitait de pourvoir l'école [...] de moulages ainsi que des spécimens de vases et de tapisseries de façon à éviter l'abus des leçons données d'après les dessins estampes^[5] 

C'est même une conception tout à fait positiviste du dessin qu'il défend^[6] et à vrai dire, toute sa rhétorique pédagogique est pétrie de vocables mathématiques ! Ainsi la ligne qui, sans grosseur appréciable, n'est qu'une abstraction pour exprimer l'endroit où les surfaces et les solides expirent, [...] définition mathématique [qui] donne la véritable manière d'entendre les contours^[7] . Et de constater avec délice que^[8]

l'application que l'on fait de [c]es règles donnent aux œuvres une autorité incontestable. Et comment en serait-il autrement, puisque les solutions obtenues ont le caractère de vérités à la fois physiologiques et mathématiques !

Triomphe et déclin de la Méthode

L'apothéose d'Eugène Guillaume fut célébrée le 1er septembre 1900, au restaurant de la Lune, au pied de la tour Eiffel. C'est là que se tint le banquet de clôture du premier Congrès international d'enseignement du dessin. En l'absence du maître, retenu à Rome par ses fonctions directoriales, ses théories et la subséquente régénération des pratiques pédagogiques furent célébrées par un toast éloquent du président du congrès, Jules Pillet. Polytechnicien, professeur de dessin d'architecture et accessoirement bras droit du grand homme, il rapporta en outre cette confession reçue de Guillaume quelques jours auparavant^[9] :

je vous jure, parce que ma conscience m'ordonne de parler ainsi, à vous et à mes dévoués disciples, que ce que nous avons fait depuis 22 ans est bien, et que la vérité tient dans notre méthode.

L'ornementation du menu rend compte elle aussi de l'état d'esprit qui présidait au congrès. D'une esthétique toute 1900, on y découvre au premier plan des céramiques contemporaines aux formes tendues, graciles, décorées de motifs floraux bien de leur temps (on n'ose écrire un peu Bing-Bing...), soulignant la fonction du dessin placé au service de la création industrielle. Plus intrigants, quelques vases et coupes antiques, en tête de la feuille, comme stockés au-dessus d'un placard après avoir été exhumés d'un sépulcre, rendent ce qui est sans doute un ultime hommage à une école de pensée qui allait bientôt se diluer dans le siècle nouveau. Car l'approche positiviste du dessin, quand bien même elle avait mis en avant le dessin des machines^[10], ne s'était pas pour autant défaite des modèles classiques.

Et si le caractère ouvertement utilitariste et froidement mathématique de la méthode Guilllaume faisait frissonner d'horreur un Ravaisson, pour qui prendre la science comme principe de l'art, c'est commettre l'erreur du matérialisme^[11], le modèle classique restait, pour l'un comme l'autre, la pierre de touche et son imitation seule pouvait révéler le sens esthétique supérieur nécessaire à l'élévation de l'artiste^[12] . Aussi ne devait-on s'épargner aucun effort pour donner à tous le plus libéral accès aux sources classiques - les plus sophistiqués étant sans nul doute ces modèles publiés pour Ravaisson en 1864 d'après des fragments de statues antiques d'abord moulés en plâtre puis photographiés, succession d'opérations qui, par les nombreuses possibilités de retouche offertes à chaque étape, garantissait une synthèse de légitimité et d'idéalité qui semblait à l'époque inégalable...

Las ! Quand bien même on avait pu voir son triomphe célébré en grande pompe sur le Champ de Mars à l'aube du siècle nouveau, la méthode Guillaume était déjà contestée et l'extrémisme classico-cartésien dans les affaires esthétiques allait bientôt sombrer, victime des pédagogues. Dès 1909, on lit dans la Revue pédagogique ^[13] qu'on a

Consciencieux, fort en thème, glacial, rétrograde dès l'adolescence, auteur vers 1845 d'un prix de Rome de mythologie, naturellement pompière, il accumula d'innombrables commandes d'Etat, qu'il perpétra avec la régularité d'un irréprochable industriel.

avant de l'achever ainsi :

De tous les bustes de feu Guillaume, il y en eut un fort beau — le sien.
Il est vrai qu'il est d'Auguste Rodin.

Un professeur de dessin sous la troisième république

Mais revenons au banquet du 1er septembre 1900 ! Tandis que Pillet tresse des couronnes à son mentor, voici un participant, discrètement assis au pied de la tribune, qui écoute attentivement les toasts :  c'est Eugène Quignolot, chargé d'en recueillir avec une exactitude parfaite^[15] les textes…

Carrières d'artistes

Né en 1847, fils d'un petit artisan de Dijon^[16] , Eugène Quignolot devient dessinateur et entre en 1868 à l’École des Beaux-Arts où il est élève de Pils. L'institution a d'ailleurs conservé de sa main une académie qui lui valut une seconde médaille. Au contraire de quelques camarades, comme Auguste Mengin, Quignolot ne fit pas carrière comme peintre, quoiqu'il ait exposé au Salon de 1880 un grand portrait en pied^[17] , mais comme pédagogue : occupation moins en vue et par laquelle il est encore plus difficile de se faire un nom. C'est ainsi que Byblis en 1923 mentionne les cours du soir chez Kignolet tandis que le catalogue du Salon de 1903 nous gratifie d'un Guignollot^[18] , d'ailleurs repris par l'IFF^[19] !

Or, à partir de 1865, le recteur  de la ville de Paris, l'infatigable Octave Gréard^[20] s'était attelé à la rénovation de l'enseignement primaire et des cours pour adultes : il avait pourvu à l'aménagement des locaux, toiletté les programmes et les examens et surtout, il avait relevé la sélection des maîtres. Ainsi pour enseigner le dessin il ne suffi[sai]t plus [...] d'avoir exposé au Salon et la position de professeur de dessin n'[était] plus considérée comme une compensation donnée à ceux pour lesquels la carrière des Arts ne s'[était] pas autant ouverte qu'ils l'auraient désiré.^[21] 

C'est donc en lauréat d'un concours exigeant que Quignolot fut recruté en 1872, alors qu'il était tout juste sorti de l'Ecole des Beaux-Arts, pour enseigner ensuite pendant trente cinq ans le dessin à vue et la composition décorative dans les écoles de Paris^[22] .

Demenÿ fait son cinéma

Etait-ce donc en collègue que Quignolot fut sollicité pour l'illustration de certains volumes ? Toujours est-il qu'il retranscrivit par le dessin quelques-unes des cinématiques photographiques de Marey et Demenÿ^[25] , la facture des clichés étant sans doute jugée esthétiquement insatisfaisante. Intéressante réminiscence d'atelier des Beaux-Arts que ces instantanés d'athlètes en pleine action, traduits avec les codes de la figure académique^[26], devenue ici dynamique, et certifiée positive ! A vrai dire, ce balancement fin de siècle entre recherche esthétique et démarche scientifique n'est pas pour surprendre, qu'on pense aux entreprises de physiologistes comme Jean-Emile Charcot et son disciple Paul Richer, dont l'influence sur l'enseignement de l'anatomie artistique persiste jusqu'à nos jours, ou la place faite peu après chez certains artistes novateurs à la décomposition du mouvement, comme parmi tant d'autres le grand Marcel avec son Nu descendant un escalier.

Un modeste peintre qui forma de beaux artistes